La infografía en el diseño de revistas y periódicos

Las infografías o gráficos informativos pueden aportar un gran valor añadido tanto al diseño de páginas en revistas, periódicos y suplementos, como al propio tratamiento informativo de su contenido. 

Esto es más evidente cuando se tratan temas cuya parte iconográfica no aporta información de actualidad, como fotografías periodísticas o documentales de interés y hay que buscar imágenes de archivo, en ocasiones, meramente decorativas. En estos casos, elaborar una infografía a partir de la información tratada en el reportaje, añadiendo información de calidad, complementaria, de análisis, explicativa y debidamente documentada es una buena opción para mejorar el diseño de las páginas que se están editando y hacer más atractivo a los lectores el acceso a la información presentada.

Convertir la información en gráfico

Podríamos asegurar que la mayoría de los temas tratados periodísticamente pueden ser susceptibles de entresacar un infográfico, ya sea de tipo diagramático o esquemático, temporal o de línea de tiempo, espacial o mapa, o, por supuesto, que aporte datos o información cuantitativa en forma de barras, columnas o quesos. De esta forma, se enriquece la propia información y su tratamiento, nos permite más posibilidades en el diseño y la diagramación de las páginas, además de incorporar para el lector una nueva forma de lectura o de comprensión de los temas.

Los infográficos cumplen su papel en el conjunto de la información y del diseño. Y esto es algo que requiere decidirse en el momento de planificar la información. En el caso que presentamos: un reportaje que ocupa una doble página en una revista, el infográfico es un complemento que ocupa aproximadamente una cuarta parte de todo el contenido. Aporta una infomación que complementa y explica un aspecto del contenido periodístico: que sucede cuando dormimos, y en qué fases se divide el sueño. A pesar de que su papel no es "protagonista" en el conjunto, el infográfico posee todos los ingredientes necesarios para poder leerse independientemente. Es decir: un título y subtítulo aclaratorio, así como un cuerpo gráfico y cromático completo con las leyendas e imágenes necesarias.

Diseño para imprimir y diseño para la Web: las diferencias

Existen algunas diferencias importantes a la hora de realizar un diseño gráfico destinado a ser impreso o para un medio digital publicado en la web. En este infográfico mostramos las principales diferencias de planteamiento, y también en cuanto a aspectos más técnicos como el modo de color, las fuentes tipográficas, las medidas o el tamaño de los archivos que se genera.

Maestros de la Bauhaus: Paul Klee y Vassily Kandinsky

Paul Klee, conocido universalmente como uno de los grandes referentes pictóricos del siglo XX, dedicó también su tiempo a la enseñanza en la escuela Bauhaus. Entre los años 1920 y 1931, primero en Weimar y después en Dessau, impartió clases y formó parte de una experiencia pedagógica única que transformaría la cultura visual contemporánea.

 El exilio posterior de muchos de los miembros de la Bauhaus, a Suiza en el caso de Klee, y a Estados Unidos en el caso de una mayoría, contribuiría a difundir las premisas, los conceptos…, el estilo Bauhaus por todo Occidente, en diversos campos de las artes aplicadas, como la comunicación gráfica. 

Ahora tenemos la oportunidad de conocer ese “legado pedagógico de Klee”, sus notas de clase, con las que preparaba las enseñanzas de la asignatura Teoría de la Forma, que suman un total de 3.900 páginas manuscritas con sus esquemas, diagramas, tablas, escalas de color… y sus reflexiones sobre la vida de las formas. En suma, quedan plasmados conceptos como la línea, el color, la forma, la geometría, el volumen y el ritmo; y en ellas se trasluce también cómo esas reflexiones y su actividad docente estaban estrechamente vinculadas con la práctica artística.

Las anotaciones de las clases de Klee en la Bauhaus.

Es interesante observar esos apuntes del profesor Klee en el propio contexto de la Bauhaus, con su innovador método pedagógico y su constante interrelación entre teoría y práctica. En este sentido, también es preciso recordar que los alumnos de Klee, los estudiantes que acudían a la Bauhaus, no se preparaban para convertirse en pintores, en “artistas”, sino, más bien, para ser diseñadores, artesanos, profesionales con un sentido práctico y aplicado. Como el mismo Klee decía: “creadores que configuran, trabajadores prácticos”.

Klee y Kandinsky en el verano de 1929.

Kandinsky, otro maestro en la Bauhaus

Durante esos años en la Bauhaus, Paul Klee mantuvo una estrecha relación con otros profesores, como Herbert Bayer, Lazslo Moholy-Nagy, Josef Albers y, por supuesto, con Vassily Kandinsky, otro de los grandes maestros del arte abstracto del siglo XX, que también dedicó once años de su vida a la enseñanza artística, tanto en Weimar como en Dassau. Testimonio de esas enseñanzas quedaron registradas en sus Cursos de la Bauhaus, tras haber publicado obras fundamentales como Punto y línea sobre el plano y De lo espiritual en el arte.

www.kleegestaltungslehre.zpk.org

Exposición: Paul Klee: maestro de la Bauhaus
Fundación Juan March. Madrid
Hasta el 30 de junio de 2013

Casa de las Flores: Primer edificio moderno de Madrid

Microdocumental sobre la "Casa de las Flores" del barrio de Argüelles de Madrid, ejemplo de edificio racionalista y funcional de los años treinta del siglo XX. 

Proyectado por el arquitecto Secundino Zuazo en 1932, en uno de sus pisos vivió el poeta chileno Pablo Neruda. Allí se celebraban tertulias literarias destacados miembros de la Generación del 27. 

En 1981 fue declarada Monumento Nacional.

Revista TIME: 90 años de portadas en 120 segundos

Hace 90 años, en marzo de 1923 nacía el semanario TIME. Su nueva fórmula de revista de periodicidad semanal con información de actualidad fue adoptada en un buen número de países. Aquel primer número del que se tiraron 9.000 ejemplares, tenía 32 páginas y 22 secciones. En este video se muestran 90 portadas para celebrar sus 90 años de vida.

La gran novedad en aquel momento consistía en que no se trataba únicamente de contar las noticias (pues ya lo hacían los periódicos diarios), sino que se interpretaban, situando al lector en cada hecho, relacionándolo y contextualizándolo.

También desde el punto de vista visual, formal y de diseño la revista TIME rompió moldes y fue imitada constantemente experimentando a lo largo de las décadas una evolución constante:

- En 1927 introdujeron el marco rojo en su portada, que ha identificado visualmente a la revista hasta la actualidad.

- En 1929 publicó por primera vez un retrato en color en la portada.

- En 1938 se incorpora un segundo título dentro de una banda oblicua que cruzaba la portada.

- Siempre concedió una gran importancia a la ilustración/imagen de portada. Un equipo de ilustradores y grafistas y a veces se encargaba la portada a algún pintor o artista de fama…

El gran rediseño se produjo en 1977. Su autor fue Walter Bernard (socio de Milton Glacer en WBMG) comentaba:

“Cualquiera que sea el rediseño que se haga, hay que tener cuidado en no cambiar ni el carácter ni la personalidad de una manera drástica, especialmente si se trata de una revista de éxito. Los editores quieren progresar y hacer cambios, pero también desean que no se noten mucho porque temen las quejas…” 

 “Quienquiera que haya estado suscrito a Time durante 25 años cree que el producto le pertenece y le cuesta aceptar los cambios con benevolencia”.

“Es importante no sólo pensar y ejecutar el rediseño, sino también asegurarse de que el equipo lo entienda para seguir aplicando el concepto en el futuro, algo que suele requerir tiempo y que muchas veces hay que analizar individualmente, tema por tema, artículo por artículo, caso por caso.”

Un rediseño que duró tres años, una transición cuidadosa, con cambios paulatinos basados en: 

• El logo o cabecera fue ampliado para que se viera mejor en los quioscos y ocupara toda la parte superior de la portada. 
• La “orejita” con el segundo titular. Dispuesto de forma oblicua. 
• La tipografía Franklin Gothic, repetida posteriormente para los titulares en muchos periódicos. 

Una nueva puesta en página, o maquetación, de mayor impacto. Y dentro de este diseño interior tuvo una gran importancia por lo que supuso de innovador la introducción de los símbolos, pictogramas y gráficos realizados por Nigel Holmes, adelantándose así al posterior auge de la infografía y de los iconos.

Se trataba de elementos gráficos de tamaño reducido que ayudaban a identificar el tema de portada u otros temas extensos que pudieran extenderse a lo largo de la revista y quedar interrumpidos por páginas de publicidad. 

Infográfico diseñado por Nigel Holmes en el semanario TIME, en 1979.

“No se utilizaría como un elemento decorativo más para adornar la página, explica Holmes en su libro “Designing Pictorial Symbols”, sino que tenía que cumplir una función: informar al lector que había varios textos relacionados con el tema que le interesaba.” Este ha sido otro aspecto del diseño de publicaciones que ha marcado tendencia.

Holmes también comenzó a realizar gráficos informativos para la sección de Economía, incorporando ilustraciones y color. En su opinión estos gráficos debían cumplir tres objetivos: 

“Primero debe contar a la gente de qué se trata, cual es el tema. Luego debe transmitir la información, y por último, debe decir al lector que significa esa información. Cuando en Time nos planteamos hacer este tipo de trabajos partimos del supuesto de que esto era posible porque el lector de una revista de interés general no está intrínsecamente interesado, por ejemplo, en el precio del petróleo. Le interesa cómo este valor le va a afectar. Por eso, en nuestros gráficos, la interpretación es tan importante como la transmisión de la información.”

Las fotografías antropológicas de Virxilio Vieitez

Es una de las exposiciones más visitadas de los últimos años. Miles de personas se han acercado a la Gran Vía madrileña (Espacio Fundación Telefónica) para ver en gran formato los retratos que realizó un fotógrafo de pueblo en la Galicia rural de los años 50´, 60´ y 70´. 

Aquellas fotos eran algo muy especial para los que, en aquellos instantes, posaban ante la cámara certera de Virgilio Vieitez porque se realizaban en los momentos más importantes de sus vidas: bautizos, bodas, comuniones, entierros... o se encargaban para enviar a los familiares emigrados.

El éxito de público de esta exposición se debe, en buena medida, a que con esas imágenes de aquella España en blanco y negro, está recogida también la memoria de un pueblo y de una época, y ahora se reconocen en ella, sus hijos y sus nietos. Son también un tratado etnográfico y antropológico, aunque el objeto de estudio forma parte de un pasado muy cercano.


Y es que, como dicen los organizadores de la exposición, “una fotografía puede nacer con una función muy precisa, para después adquirir nuevas connotaciones”. ¿Podía Vieitez o cualquiera de sus retratados imaginarse que aquellas fotos acabarían siendo contempladas por miles de personas en un entorno semejante?. 

Tampoco hubieran podido aquellos fotógrafos de pueblo, imaginar que la fotografía, y el propio acto de retratar y ser retratado, iba a convertirse, merced a la tecnología digital en algo tan trivial y devaluado por el propio exceso. Y naturalmente no hubieran podido convertir esa actividad hoy día en un oficio con el que poder vivir.

Primer Congreso de Ilustración, Arte y Cultura Visual

Con el título FUERA DE PÁGINA, se abre esta primera convocatoria del Congreso bienal Ilustrafic. Fuera de Página, que surge, según sus organizadores, con la vocación de generar un espacio de reflexión en torno a la ilustración, abordando el análisis de la imagen gráfica desde diferentes ámbitos, su interrelación con otras disciplinas artísticas, su renovación o su presencia mediática. 

El congreso tendrá lugar en Valencia los días 19, 20 y 21 de junio de 2013 y el plazo para el envío de resúmenes de comunicados finaliza el 1 de marzo. Los textos deben referirse a alguna de las tres áreas temáticas propuestas en el Congreso: Página en blanco, A doble página y A pie de página.

En opinión de los organizadores, la ilustración vive un momento de expansión que se ve reflejado, por ejemplo, en el creciente número de libros ilustrados publicados cada año y en la edición de recopilatorios de autores o tendencias emergentes. Igualmente, su presencia en la publicidad y los medios audiovisuales viene experimentando un notable aumento en la última década. 

Ilustración y handmade lettering de Nate Williams.

Tendencias actuales como el diseño de autor o el handmade desing, proponen escenarios más expresivos y experimentales, donde los ilustradores pueden intervenir desde una perspectiva más personal y por tanto diferente. De este modo, los vínculos entre ilustración y diseño son cada vez más estrechos y necesarios, ya que las empresas y los clientes buscan, no solo conceptos y claves comunicativas en el proyecto gráfico, sino que los recursos propios de la creación formal, sean un valor destacable como estrategia diferencial en sí misma. Las mencionadas cuestiones, entre otras, se abordan en esta primera edición titulada Fuera de página.

Este marco de reflexión que es Ilustrafic estará acompañado, además, de otros eventos como el foro de empresas con el que se pretende poner en contacto al ilustrador con la industria y diferentes exposiciones como Acrobacias visuales, cuadernos de Isidro Ferrer y Pep Carrió que nos permitirá conocer de primera mano su proceso creativo. Así mismo, será posible asistir a los talleres prácticos que imparten destacados artistas de reconocido prestigio en el ámbito de la ilustración. 

Ya han confirmado su asistencia como ponentes Jean Jullien, Paula Bonet, Julio Blasco, Gemma Correll, Mario Tascón, Román de la Calle y Bjorn Lie. También participarán impartiendo talleres de  creación artística Sean Mackaoui, Javier Olivares, Mar Hernández, Jonay Cogollos, Paula Sanz, Sergio Membrillas y Till Hafenbrank. Así mismo podremos disfrutar de la exposición “Abierto todo el día” que mostrará cuadernos y obras originales de Isidro Ferrer y Pep Carrió.

Codirectores: Nuria Rodríguez y David Heras

www.ilustrafic.com

Diseño de revistas y periódicos en la era digital

Acaba de publicarse “Diseño de periódicos y revistas en la era digital”, un libro que pretende ser una herramienta útil, tanto para los estudiantes y profesionales del periodismo, como para los que se dedican a la edición y al diseño gráfico.

También se trata de una reflexión sobre el papel y la importancia del diseño en las publicaciones, precisamente en estos momentos en los que se producen transformaciones tecnológicas tan profundas que afectan también a las formas de lectura y a los soportes.

En las últimas décadas el diseño de publicaciones informativas (los periódicos y las revistas especialmente) están experimentando una gran transformación. Primero, en su aspecto tecnológico, con la autoedición y la edición digital, y más tarde, con las publicaciones online y con la aparición de nuevos soportes, como las tabletas.

Saul Bass: diseño para el cine

Saul Bass es, sin ningún género de dudas, uno de los grandes maestros del diseño gráfico del siglo XX. Fue el creador de grandes marcas y de su desarrollo como identidad corporativa. Pero además fue el gran pionero en la incorporación del grafismo a la industria del cine: en los carteles y en las títulos de créditos de las películas que han pasado a la historia y ejercido una gran influencia en generaciones posteriores de diseñadores.

Saul Bass. A life in films and design. Un libro, prologado por el director Martin Scorsese, donde se ha tratado de recopilar toda su obra, especialmente la que realizó para la industria cinematográfica, con sus inolvidables carteles y títulos de crédito de películas dirigidas por Otto Preminger, Billy Wilder o Alfred Hitchcock, ha vuelto a recordarnos a esta figura tan singular del diseño gráfico. 
Bass (1920-1996)nació en el barrio neoyorquino del Bronx. Desde joven comenzó a trabajar en algunas agencias de Nueva York, antes de trasladarse a Los Angeles en 1946, donde montó su propio estudio. Preminger fue su primer cliente en el mundo del cine al encargarle el cartel de la película Carmen Jones (1954). Tras el cartel vinieron los títulos de crédito de esta película y de las siguientes.
La actividad de Saul Bass en el mundo del cine no se limitó al diseño gráfico. Participó activamente en el rodaje de la famosa escena de la ducha en Psicosis, y realizó un corto documental, titulado Why man creates (1968) que obtuvo un Oscar.

"El diseño consiste en visualizar el pensamiento”

En las imágenes gráficas para la promoción de películas como El hombre del brazo de oro (1955) o Anatomía de un asesinato (1959) Bass utilizaba una técnica y un proceso creativo basado en la simplificación simbólica de los elementos más representativos de la película. 

Conseguía así una imagen-marca gráfica que se convertía en un auténtico programa de identidad visual corporativa, siempre basado en formas básicas, colores planos, muy limitados pero de gran significado y una rotulación tipografica realizada manualmente muy expresiva e identificativa. 
En cuanto a los títulos de crédito, Bass los concebía como micropelículas que condensaban y resumían la esencia argumental de la película.

La técnica de bass era sencilla, tanto en las formas, como en el uso de colores básicos, pero el resultado poseía una gran complejidad simbólica y conceptual.

El estudio de Saul Bass también se dedicó durante décadas al diseño de marcas y al desarrollo de identidad corporativa. Creó logos memorables que aún siguen en muchos casos vigentes, como AT&T, Warner, Quaker 
Oats o Kellogs.

Una visión constructiva... a pesar de los recortes